為何說富堅義博有著殿堂級的畫功？他的畫功體現在哪兒？

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本來這段內容打算最後寫完的時候再總結的。但很多人沒看完就來噴了。我還是先說結論吧。

富堅的劇情設計水平，殿堂級肯定沒問題。（能跟他比比的兩只手數得過來）

總體的漫畫能力，殿堂級肯定沒問題。（能跟他差不多的也只有極少數人）

獨特性或純粹性，殿堂級肯定沒問題。（自成一派，很高的純粹性）

單純的畫技，殿堂級肯定有問題。（介於中上和一流之間吧，還是不錯的。但算不上殿堂）

所以，富堅可以算殿堂級的漫畫家，但畫技說是殿堂級，就比較牽強了。
也就優秀吧。

勝在整體水平高（包括劇情），獨特性，表現力強。
富堅之所以被很多漫畫家和業內人士推崇，原因也是如此。

對漫畫家來講，富堅的水平是頂尖的，難以逾越的。恐怖的。（如果你想超越他的話……）
但是對於比較看重最終畫面效果的讀者來講，富堅交草稿可能會讓他們覺得坑爹，
所以爭議也來源於此。

不過知道這個結論，其實也沒有什麼卵用。
大概題主想知道的實際上是『為什麼很多人說富堅牛逼？』

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絕大部分人很難分清楚『畫得好』『畫得細』之間的區別。
繪畫作為一種藝術，最開始是沒有技巧體系的。

遠古壁畫使用最簡單的畫材，技術層面很簡單。

隨著時間，慢慢開發出了透視、構圖、配色等等各方面的技巧。
但是，繪畫的核心一直以來並沒有變過。那就是『表現』『表達』。

一般來說，分析一個漫畫家的格調，從幾個方面入手。

內容層面

形式層面

技巧層面

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首先是內容層面。這裡指的是『去除劇本因素後的內容表現』。
因為劇本並沒有視覺，只是純文字。

通俗點來說就是，你想表達什麼內容，最終你選擇了用什麼東西去表達。

從簡單來，你想表達蘋果，你畫了一個某角度的蘋果。這就是內容選取。

更復雜一點，你想表達一種『惆悵』的情緒，怎麼辦？

如果是桂正和的話，他會畫一個大特寫，很微妙的表情。加一句很微妙的台詞。勾起我們觀察表情的欲望。從而傳遞一種感覺。

同樣是戀愛漫畫，《草莓100%》裡面河下水希畫的西野司，就沒有做什麼驚天動地的表情。
這裡的劇情是女主角西野司發現另一個女生喜歡主角，而主角的態度又曖昧不清。

小司明明是很心痛的，但卻沒有微妙的表情，沒有大特寫，甚至連臉都看不完整。
內容上，也沒有吵架、憤怒、流淚等內容。

只是一個淡淡的淺笑，和一個背影。

相信對於西軍來說，這一個背影就已經有了極大殺傷力。

而換作富堅，可能連人都沒畫。
只有一張照片被微風吹到地上。
但是看過的人都知道，那一刻無數種情緒都湧上來，堵在心口。

漫畫和文字有極大的不同。甚至可以說是徹底相反。

文字裡面，『惆悵』其實並不指任何東西。它傳達的是一種抽象。

桂正和的表情特寫可以叫惆悵；
河下水希的寂寞背影也可以叫惆悵；
富堅的照片吹落它也叫惆悵。

可以看出，惆悵這個詞，是模糊的。這就是文學的魅力。

但是在漫畫裡，恰恰相反。
這裡需要的是想象力。是精確的定位。

嚴格來說，在漫畫裡，並不存在類似於『代表惆悵這兩個字的東西』這種玩意。
漫畫裡，任何一次你表現情緒，達到的效果都是不同的。
表情也好、寂寞背影也好房間也好，它們是完全不同的。

這就是漫畫的魅力，很少的通常性、大量的特殊性。
表達一種意思的時候，往往表達出的最後效果是唯一的，微妙的，不重復的，
無法重現或跟其他相似內容做對比的，語言所無法形容的。

那我們回過頭來繼續看富堅。
『為什麼有人說富堅義博有著殿堂級的畫功？他的畫功體現在哪兒呢？』

畫功是一個很模糊的詞匯。這裡我就認為是『除去劇情之外的漫畫總體能力』吧。

記得前面我講過有三個層面：內容、形式、技巧。

實際上它們並不是平行的東西。

內容和形式到底哪個更高級，很難說清楚。這也是爭論了幾百幾千年的東西。我不做論述。
但顯然這兩個都是高於技巧的。

舉例子來說，可能內容形式屬於戰略，而技巧必然是屬於戰術。

我剛才舉例過，

內容就是，你用什麼東西去表達你想要的意思和感覺。

形式就是，你用什麼路線方式去表達你想要的意思和感覺。

技巧就是，你用什麼具體的操作去表達你想要的意思和感覺。

漫畫的形式，具體指什麼？比如：

CLAMP的《CLOVER》
其實大家看到的大部分的漫畫，都是差不多的。在形式上。
自從手塚創造了『大小不同分格表現鏡頭和時間』之後，很少有創新。
《CLOVER》可以算一個。

說實話，個人認為，CLAMP對漫畫史的貢獻，那一大堆東京巴比倫翹辮子小櫻御姐X等等還不如一部《CLOVER》來得有分量。
《clover》的分格，就引入了一種新形式：平面構成。在頁面裡，單格、空白、對話框，這三者，已經不再是以前的作用了。

單格不是手塚那樣的一個鏡頭單位，
空白不是鏡頭之間的間隔，
對話框也不是單單為了找一個不影響畫面的地方寫對白。

它們都有新的作用。

clover裡的單格、空白、對話框，只是一種裝飾元素。或者說有很濃的裝飾元素作用。
裡面的內容，並不僅為了表現劇情。還是一種『裝飾』，一種『制造視覺氛圍』的工具。

它傳達的理念是：

單格所描述的內容，並不一定要和劇情有關系。

甚至，並不一定要是東西。

它可以是簡單的幾何體，可以是繁復的花紋。可以是空白。可以是字母。可以是任何東西。
只要它能傳達作者想要的內容。

我認為，

漫畫是一種直指心靈的藝術。

不是說你把一部電影畫面拿去截圖，然後按照次序排好，就是具有藝術性的漫畫。

也不是說你去看一些所謂的漫畫教程，教你把『大格畫特寫、小格畫全景、營造氣氛用仰視45度臉』之類的東西學會就算是會畫漫畫了。

優秀的漫畫應該是更私密性的東西，不應該為了迎合讀者而使用已經固定的形式。那太無聊。

回過頭來看看富堅。

我想很多人都會覺得富堅很偷懶。
比如拿草稿去交之類的事情。的確沒錯。

大師們也是普通人，有勤奮的，有玩票的。
比如某位極度缺乏耐心的大師，畫的畫都沒幾個完整的。

畫得不好嗎？好到天上去了…………
畫得很細致嗎？坑爹到天上去了……………………
要知道，看看其他大觸，

比如達芬奇，那一個和諧、流暢的美感，認真的作畫態度……
再看看席勒……

估計很多沒畫過畫的人會大叫：什麼鬼！！這小學生畫的吧！我也能畫！！

嗯，當然，你也能畫………哈哈………我沒逗你……（發現很多人都沒看懂這是吐槽……）

為什麼席勒和達芬奇，差別那麼大，但仍然有很多人認為席勒很牛逼，達芬奇也很牛逼呢？
原因就在於，兩個人的形式並不同。

就像一個玩古典的或許會認為，朋克金屬那都是什麼鬼。
（實際上並不會，只是為了舉例，因為絕大部分不懂音樂的人的刻板印象中，
玩古典的音樂人看到涅磐如果不罵兩句垃圾什麼玩意那都是不正宗的古典音樂人，
玩地下音樂的如果不是每天早上先到客廳拿起水煙袋哈幾口大麻然後再跑廁所日上個把妞兒那都是不正宗的地下樂隊。哪怕實際上古典音樂人也很喜歡聽搖滾喜歡做實驗音樂那也是這幫刻板印象星人所不能接受的…………）

席勒和達芬奇，最大的區別，我認為或許說不定大概就是『懶』。
（以下內容只是為了說明作品效果的差異，而進行的戲說。評論裡沒事不要來噴了，本身就是開玩笑性質的講解。）

達芬奇追求打動觀眾。席勒懶得理觀眾，只管自己畫。
達芬奇為了達到一個完美的和諧效果不惜大量精力去完成『完美的平滑漸變』等微操。
席勒懶得磨手指，想了想，反正給自己看的漸變不平滑又怎麼了哎呀沒事的啦。
達芬奇為了更好的襯托自己想畫的東西，不惜連不太想畫的部分也給畫到盡善盡美。
席勒為了更好的畫自己想畫的東西，想了想，干脆不想畫的地方直接空著算了…………

各種細微的理念差距，最終造就了作品完全不同。

可以說，有的人是以『作品』為重的畫家。
而有的人，完全相反，是以『自我』為重的畫家。

一些人是為了作品，我可以吃苦。
另一些人是為了自己，我可以讓作品吃苦。

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我們回過頭來，看看小畑健。

某種意義上，小畑健就是和富堅完全相反的作者。

富堅要畫自己想畫的東西。小畑健只畫別人想畫的東西。
富堅又懶又賤。小畑健又勤奮又認真。
富堅為了自己爽，能省則省。小畑健絕不會為了自己爽而省掉任何麻煩。
………………

但是，實際上，就像達芬奇和席勒一樣，
小畑健跟富堅，兩者的形式完全不同。

那些諸如『小畑健漫畫水平吊打富堅100遍』之類的結論都是不可取的。

小畑健的原稿

可以看出，他的原稿其實追求的是一種『抹消作者』的效果。
手畫的陰影、漸變不完美，我們用網點來做。
筆法盡可能規整，合乎寫實因素。
鏡頭直追實拍。
人物的造型、服飾都貼近實物。

整張畫是規整了，完美了，作者也『消失』了。
換句話說，如果是另一個畫工一樣的人，拿著同樣的照片素材，給定人設，同樣可以畫出來。
這就是動畫工業上常用類似的畫風的原因。更加可控。

『抹消作者的存在』不可取嗎？？也未必。
俗稱有『畫家中的戰士』『畫家中的思想者』『畫家中的詩人』等等……

維拉斯凱茲有人稱他為『畫家中的畫家』，因為他很純粹，他只是『畫』。

他的作品，畫窮人的時候，不像我國很多革命畫家，弄得苦大仇深似的。
畫權貴的時候，也不像某些歐洲畫家，把國王畫得比本人帥幾倍。

在這張圖裡面，我們幾乎感覺不出任何一筆是因為『作者想表現什麼個人意圖』或者『作者水平不行只能這麼畫』而存在的。
這張圖很完美。當然也具有很高的藝術性。想進行純粹的描繪也並不容易。

但是，一個努力『畫得純粹』的作者，不應該被拿來和努力『表現某種意圖』的作者相提並論。
更不應該和席勒這種『表不表有啥用，能吃嗎？』的作者比較。

就像小畑健的豐富細致不應該拿來和富堅的連續全黑頁做對比。

富堅的N連黑…………

電影，有藝術片、試驗片、商業片。
音樂，有流行歌、試驗音樂、古典音樂。
文學，有起點小說、有莫言。

漫畫呢？？

絕大部分，甚至99%以上的作品，如果按其他領域的歸類標准，只能排在『商業作品』裡面。
那些具有藝術性的漫畫呢？太少太少了。

在漫畫產業發達的日本，商業化嚴重的日本，藝術性的漫畫可能比歐漫更少。
其實，何為『前衛』？？不過就是做的更『極端』。突破已有的框架限制。

毫無疑問，富堅的N連黑就是標准的『前衛』。
在一部漫畫裡，完全不用畫去表現內容。這種張力的思路本身就很前衛。

它的反面呢？？？
我覺得是時候請出另一部作品。

《一拳超人》這部作品在內容上實際並不算是有特別大創新。天下無敵的主角很多漫畫都有。比如《城市獵人》。它只是更厲害一點。

但它在形式上卻有不錯的突破。擔得上『前衛』二字。

在一部漫畫裡，使用完全無視漫畫畫面邏輯原則、完全無視分格的形式，去表現一個宏大氣勢的畫面內容，這個思路很不錯。

某種意義上可以說它和富堅是相反的。
在這一段戲裡，對白是無用的、分格是無用的，甚至單幅頁面都是無用的。不需要去考慮一個大跨頁畫了一副讀者甚至都完全看不清、看不懂的頁面該怎麼辦之類的問題。

（比如這個就看不清）

藝術，有得必有失。
失去了單幅頁面的意義，換來了這一段非凡的表現力。
也許它沒有普通的分頁分鏡看得清楚，
也許它不成熟，看起來還有點別扭、不人性化，

但它一樣也獲得了以前作品都沒有過的一種特殊感覺。特殊形式。
這就叫『突破』。

井上雄彥，其實也做過一段很出名的分鏡。

（籃球飛人最後的無對白部分）
從內容的整個表現力來講，是出類拔萃的。
整本書一直都有各種對白，而最後一話，不僅放棄了人物間的對話，也放棄了旁白。
某幾頁甚至放棄了傳統的分格。
整體能感受到那種速度、時間的流逝、激情。

然而，從形式來講，則是古老的。

古老的漫畫，其實一直都是無對白的。
只是因為整本書一直有對白，這段回歸了古老而已。

遠的歐美幽默漫畫不說。在日本也有類似《阿貢》這種整本書都沒有對白的作品。

可以說，漫畫作為一種藝術形式，開始就是無對白的。
只是後來對白、旁白、擬聲詞才慢慢變成主流。

井上雄彥在最後一話回歸了古老的形式，
造成了巨大的反差。也營造出來很好的氛圍。

只是，從『形式上』來講，
它同《一拳超人》那段誇張的不象話的長跨頁、富堅那連續黑頁相比，
跟『突破』非常接近，卻擦肩而過…………

或許這就是井上所不能放下的那柄『屠刀』，從而難以成佛。

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富堅喜歡從故事流程上挑戰傳統，比如在level e 裡面，他畫了一個完整的故事當作某角色遞交的原稿。（外星人吃掉配偶的那個故事）
但他也喜歡從具體的畫面內容上挑戰傳統。比如幽游白書裡曾經有一個小分格，很有意思。

最底下那格的表現方法，目前為止，我還沒見有其他人在漫畫裡用過。

《幽游白書》的小插頁，互換的五官，很有意思。

其他還有不少開腦洞的圖，你們可以自己找找。太多了不一一論述。

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記得我之前講過漫畫的表現力。
其實富堅的畫法，很接近『表現主義』。

表現主義，就是指，畫出來的東西只為了表達自己想要的東西，而不是為了描摹自然。

富堅的作品，表現力很強。
可以說很多時候，他只關注表現力。
能不能准確表現出他心裡的感覺，遠比畫得是否完整更為重要。

表現一件東西，有很多方式。其中有很多因素是和『取捨』相關的。繪畫的時候，圖上的任何一個元素，其狀態和最終畫面效果都會有千絲萬縷的聯系。
並不是說，盡善盡美就是最好的。

盡善盡美，能帶給你盡善盡美的好；
簡潔，能帶給你簡潔的好；
簡陋，則有簡陋的好；
粗糙，也有粗糙的好。

可能很多人不明白：粗糙有什麼好的呢？？
最好的不應該是完美的嗎？

實際上，是因為你生活在一種『自帶褒義貶義的語言體系洗腦之下』的環境裡。

一個人計謀多，想誇他就叫足智多謀，想損他就叫詭計多端。
實際上講的還是一回事。

同樣，對於一幅畫，我們其實很難做到用准確、中性的漢語去描述。
就像你的慣性認為『粗糙』等於『差』一樣。
實際上『粗糙』和『古樸』某些時候是同一個意思，不精美。

對於一個作品而言，我們需要『整體』去看待。

作品裡有精美，不好嗎？
未必，需要看精美是不是符合故事的整體氛圍。
作品很簡單，甚至簡陋，粗糙，不好嗎？
未必，需要看是不是符合故事的整體氛圍。

舉個例子，小畑健很好，很細致。
但《死亡筆記本》那樣的畫風也就適合現代背景的故事。

如果畫《死狂》這樣的作品，仍然用小田健平時的畫風，顯然會太精美，弱氣。缺乏了一種力量。

（《死狂》是不可多得的優秀作品，尤其是在劍術漫畫領域。）

死狂作者山口貴由，其實美術實力並不如井上雄彥。
他筆下的人物，過於結實，沉穩，老氣，油滑，甚至帶著一股濃厚的汗臭味，又仿佛曬得黝黑。肉感非常強。
如果對其他題材來說，這個畫風非常不討巧。
而對古代劍客故事來說，則處處成了加分項。
給整個作品帶來了一種前所未有的厚重、宿命、扭曲、變態的感覺。
斬殺敵人時毫不避諱的流出腸子等細節，表現出了用劍廝殺時候的殘酷。

我們都知道作者的水平不如井上雄彥。但在這部作品裡，我認為，換了井上去畫，很可能效果不如他。因為井上的畫風和這種故事並不是特別兼容。而山口由貴則極其兼容。

（帥氣的兩人）
相比《死狂》那種散發著扭曲死亡氣息的獨特魅力，
井上的《浪人劍客》反倒顯得像是『偶像派劍客故事』。

武藏和小五郎，帥到掉渣的長相，看久了會帶來人物造型和故事上的不統一。
而死狂主角籐木那種呆板的長相，反而有種別樣的真實感。

死狂的另一個主角，伊良子清玄，剛登場時擁有不輸小次郎的俊美。

然而隨著故事的進展，幾經摧殘之後，雙目失明的伊良子簡直判若兩人。

（出劍之前異常扭曲的姿態，空洞的雙目，表現出了前所未有的張力。）

究其原因，籃球運動員櫻木花道長那個樣子，是可以的，帥氣的偶像；
而劍豪宮本武藏，也長成那樣，難免會顯得『太帥』，高大全。
給作品帶來偶像英雄的感覺。
整體氛圍上很難契合劍客漫畫裡關鍵的『殺氣』『冷酷』『殘忍』『死亡』等元素。

（少年漫畫的慣例，凡是帶有一點重要戲份的人都必須偶像般帥氣，比如柳生的孫子、遷風黃平、植田等等，哪怕這些角色本身的定位並不是吉岡清十郎那樣的美男子……）

通俗點來講就是，
《浪人劍客》作為青年漫畫，很多時候還留有一點『少年漫畫』的影子；
而《死狂》則是真正的青年漫畫了。
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回過頭來看富堅。
富堅是少數可以隨時改變表現方法的漫畫家之一。

換言之，普通漫畫家，如小田健，因為社會、商業、雜志等多方因素，
就像帶著腳鐐在跳舞。他不可以畫得太簡單，太隨性。
他的原稿，整體的表現方法，是很少變化的。

如果一開始作品風格為唯美，那麼他始終都唯美。如果寫實則寫實。如果卡通則卡通到底。

但是富堅是個隨性的人。在他的想象裡，一部好的漫畫，表現方法應該是根據劇情乃至單格來隨時變化的。

一個人可以出場時候帥的掉渣，

這哥們如果在別的漫畫裡，不是狠角也是個帥角。（如：《我是阪本，有何貴干？》）結果過了幾話，由於過度驚嚇，他禿頂了…………禿頂了…………禿頂了…………

印象中，敢把設計好的形象，變化如此大的跨度，又讓人覺得合理，震撼的人，
估計只有動不動就斷手斷腳瞎眼的手塚大神了。當然手塚也是極其極其凶狠的漫畫大師……
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在《幽游白書》前期，富堅畫的人物形象，還有很濃的早期搞笑漫畫風格。

像古谷實、籐澤亨等人也喜歡畫這種古怪的搞笑臉。
但到了後期，劇情越來越嚴肅，富堅跟隨人物變化，慢慢拓寬出了一套自己的人物美學。

《幽游白書》真正的第一個大轉折是，幻海的死。整個故事從搞笑熱血戰斗轉變成了憂傷風格。
浦飯沉入了深深的迷惘。

幻海問浦飯是否有殺死師傅的覺悟，浦飯的表情是這樣的：

這是富堅前期所畫的最難的表情之一。也許在不畫漫畫的人看起來，像是很簡單的事。
但這個似乎沒有表情的表情，傳達出的是一種很復雜的情緒。

早期的漫畫家，都有一套自己的美學。他們是從生活中提煉，然後形成自己的風格。
現在的漫畫家，則是從第一批漫畫家的作品中提煉，然後形成自己的風格。
也就是說，現在的漫畫家大部分都是沒做過『原始自然』>『第一層提煉』這個步驟的。

這就是為什麼很多現在的漫畫家，所畫的東西，總像隔靴搔癢。
因為他們的表達，說白了就是三手貨，和第一批漫畫家是不好比的。

說到畫表情，不得不又提到桂正和與河下水希二人。
他們倆是我見過的漫畫家裡面，畫微妙表情最厲害的兩個。

和大部分人不同，我最早是看《WINGMAN》認識的桂正和。從小愛和I"S看起的人可能不太熟悉這個作品。

當年桂正和的畫風，基本還屬於老一代的套路。畫出來的表情，符號化的成分遠遠大於表現的成分。

什麼叫符號化？？
就是說，早期，一部漫畫，比如手塚的作品，
其中的表情並不是為了表達。而只是為了傳遞必須的信息。

舉個例子，手塚的《佛陀》

裡面的表情，動作，都很誇張。比如憤怒的時候張大嘴，

又或者說話的時候一定要配合動作指來指去。

漫畫是一個非常廣泛的藝術形式，包含很多領域的東西。如果用戲劇、電影表演的方向來說，這種時候的漫畫人物還比較接近於話劇演員。
顯得太『戲劇化』。

這種微妙的小表情雖然有，但還不成氣候。
這種風格，可能來自於迪斯尼的遺傳。
在迪斯尼時代，動畫是一種新興事物。觀眾的鑒賞水平還非常低。
微妙的表情，是難以被沒有觀影經驗的人所接受。

這種戲劇化的表演風格，現在的歐美漫畫仍然繼承了。只是分量可能沒有以前那麼多。
比如，公認畫面水准地球最屌、原稿都進了博物館的《BLACKSAD》。

在這種地方，使用的仍然是許多年前的老派做法。

上面兩幅，看起來就更加微妙，更後期一些。
到了大電影時代，攝影機的出現，導致觀眾能在遠距離輕松欣賞演員的細微表情。
所以很多戲劇時代的明星無法適應這種表演風格，被淘汰了。

慢慢的，當時的漫畫家，發明了一套方法，使漫畫中的表演方法從『戲劇』轉化到了『電影』。
雖然手塚最先發揚了『大小分格』的方法，但是手塚的畫法，並沒有從戲劇轉化到電影風格。
有一定的滯後。

並不是說，把漫畫頁面做出大小分格，就能有電影的效果。

電影是很復雜的，導演風格、表演風格、攝影方式三者才能組成真正的電影風格。
而不是一個簡單的分格能做到的。

這也就是後輩們，大幅度超越手塚的地方。

我們來看看桂正和中期的作品。
電影少女頭3頁。

上圖這種微妙的表情，

神秘女孩的細微神態
可以說在這時候，桂正和已經完全掌握了『電影化』的表演風格。
完成了蛻變。

在他的書裡，人物的表演已經不是起到『符號』的作用，不是用來『識別』
而是真正為了『表達』一種感覺。

什麼叫『符號』

就像這樣，把細節抽離，信息簡化。也就是說，大部分Q版都是符號化的一種效果。

另一種不太明顯的符號化，就是使用『過於典型的狀態』，或者『過多的象征意義』。

比如這兩格，雖然是全景，但也是符號。
因為它的意義是為了傳達一個『詞語』，一種泛泛的印象，而不是真正為了傳達特殊性的情感。

第一格的作用只是告訴我們『他倆在約會』，第二格是『她在練習』。

通過這種典型的形態，作者控制了我們接收到的信息。

因為實在太過典型，太符合一般人『概念化』『片面化』的印象，
導致看到後一瞬間就接收完了所有信息，所以就不會讓人有太長的觀看時間，
也不會接收到什麼非典型的信息。

當一個東西非常符號化，它就刪掉了你腦子裡的思考過程。

洗腦的人也是明白這一點的。（打倒XX！XXX萬歲！！）

我們再來看看桂正和的。

萌美跟貴志發展得不太順利。萌美只是在強忍著。但洋太不知道。
這時候洋太無意中說了一句話：

這句話刺傷了萌美嗎？沒有刺傷嗎？
現實裡的人，情感真的會那麼典型的爆發出來嗎？
很多時候，我們的情感，不就像量子力學一樣不確定嗎？？

作為一個漫畫家，很多時候我們需要表達出不確定的情感。

桂正和畫了一個這樣的表情。

萌美是傷心嗎？噙著淚，但又沒哭出來。雖然很委屈，但又無奈。
眼神並沒有和洋太相交，也沒有閉上，而是空洞的望著地板。
明知沒有結果，卻又不願放棄。

雖然難過，但眉頭卻只有一邊微皺。

這個表情到底能歸為什麼呢？？
悲傷？委屈？難過？害怕？

拋棄那些『典型』的詞匯吧。人的感情是復雜的。
『悲傷』只是幾百幾千種不同表情的統稱罷了。可以有許多不同的悲傷。

而這種電影表演的畫法，就可以表達許多不同的悲傷了。

我們再來看另一位女性漫畫家中的『表情一姐』。

前面我也提過，相比較桂正和那種『表情』『內褲』的不正常狂熱來說，
河下水希更喜歡用整個人物的姿態，某些時候來得比桂正和更微妙。

這張西野司，給你什麼感覺呢？是不是和之前浦飯那張有點像？

注意眼睛半閉的感覺，以及視線的方向。雖然眉毛很直，但是卻傳達了微妙的感覺。

當然，說到視線，少不了東城。東城在整部漫畫裡面，視線一直是飄忽不定的，各種躲閃

東城的名場面，第一次拿掉眼鏡。
這就是富堅曾經說過的，古希臘雕像那種神秘的表情。

在這一頁，東城是什麼表情呢？？
相信很難用一個詞形容。
生氣嗎？肯定不是。眼神很有力，又不像發呆。
嘴角下垂，也不是喜悅。

如果讓我形容，可能是『陌生』這個詞。因為這個表情不同於平時我們所能遇到的典型表情。
她有一種『拒人千裡之外』的感覺。讓我們能用遠觀的感覺去注意她的容貌。

再結合拿掉眼鏡之前的形象，

可以說，反差實在太大了。
就是這個反差萌，不知攻陷了多少人。

富堅也能畫微妙的情感，而且比任何一個漫畫家都要更強。
不僅如此，因為故事包羅萬象，他畫的范圍還比絕大部分漫畫家都要廣。

藏馬那個意味深長的表情。

背景中的浦飯

飛影的似笑非笑

當然，作為一個少年漫畫，裡面的感情種類遠比戀愛漫畫要多得多。
但富堅愣是創立了一整套獨特的情感表達方法。

比如，飛影最出名的殺氣。

浦飯也有冷酷的時候

某喜聞樂見的變態

文質彬彬的藏馬也有憤怒、冷酷、殺意四起的時候。

矛盾的表情，雖然受了傷，卻是相反的表情，因為那是幻象

能刻畫出人物神秘感的漫畫家，可謂寥寥無幾。
能刻畫出喜怒無常的角色，更是困難。
但富堅可以畫出充滿神秘感，同時又喜怒無常的角色。

沒錯，就是團長、仙水這樣的角色。

如此大的反差

殺人不眨眼的假笑

認真殺戮

冷酷

當然，少不了被庫拉皮卡打成包子臉還能那麼拽的一張。
除了用表情，他還會用整個肢體的語言去表達。
這方面，他也是最強的。

比如，既然要撒霧，這個動作才是最符合藏馬的。

某變態的坐姿
鑒於富堅動態方面的水平，很多人都講過，不再贅述。

大家都講過動態，但其實，富堅還有一項技能，是大部分漫畫家都難以望其項背的。
抽象表現。
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前面用達芬奇和席勒的畫，只不過是讓大家更容易理解風格上的區別。並不是說達芬奇比席勒畫得好或者席勒比達芬奇畫得好。

風格本身沒有高低之分。

而且我從未說過富堅畫得和席勒一樣好。不要亂扣帽子。稍微有點美術基礎的人都知道席勒是天才，我說門外漢也能去畫畫他那樣的，是逗你玩的。吐槽都看不懂也是累……
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席勒是表現主義。
表現主義是利用畫來表現自己想要的感覺。

表現主義，其中一個分支，是利用抽象圖形來表現自己想要的感覺。
這個流派就是抽象表現主義。又稱抽象主義。

（抽象主義的鬼畫符）
當然，咱們不是學美術史。沒必要講那麼多。
實際上立體主義、未來主義等等都和抽象表現主義有微妙的聯系。

首先，先來解決大部分人的一個疑問，

富堅的草稿明明畫得跟鬼畫符一樣，為什麼要說它畫得好？

前面我也講過了，

第一點，畫得草並不一定說明藝術價值就低。

實際上藝術價值是無法精確度量的。（但可以大致衡量）
一張草稿的藝術價值，畫面效果，很多時候可能比完稿更好。
如果你認真畫過畫你就會明白這一點。

第二點，富堅究竟好在哪？

要講這一點，需要先了解一點知識作為鋪墊。

你看了這麼多年的圖，有沒有想過一個問題：

究竟是什麼，使你看到一個蘋果的時候認為它是蘋果？

我想大部分人都沒想過這個。

人類識別東西的步驟，簡單來說是：

眼睛接受圖像 > 大腦分析圖像 > 發現這個物體『像』某種東西

也就是說，如果大腦沒有分析功能，那麼就算你的眼睛能接收圖像，你卻認不出。跟瞎了似的。

這是一頭牛。

這是畢加索畫的。畢加索畫的目的是為了，找出，『究竟哪裡使得它能被我們認為是一頭牛』。

這個圖裡面有許多細節，比如牛皮的明暗，牛的表情，牛背上豎著的牛毛，牛的生殖器等等。

我們慢慢來不斷減掉細節，
如果某一個時刻，剪掉某個東西之後，它不像牛了，那麼說明那個東西就是關鍵的。

畢加索在這個步驟，去掉了一定的立體關系，使牛更平面。仍然很像。

繼續削弱明暗光影的因素。仍然很像。可見光影並不是識別的關鍵。

把牛頭處理得更加抽象，簡化。（也就是俗稱的卡通化、抽象化）
還是很像。

更加簡化線條。同時刪去了五官。它仍然很像牛。可見五官並不是最關鍵的。

更加簡化線條。同時簡化了黑白灰配比。還是可以看出是頭牛。說明黑白灰配比也不是那麼重要的因素。

徹底去掉明暗，去掉色塊，黑白灰。雖然造型略抽象，但還是可以認出是牛。
這一幅證明明暗等東西都不重要。但是散亂的線條，使造型略混亂。
看來下一幅需要把打散的線條，修改回去。

線條返回了簡潔。比上一張更加像。頭部的眼睛等東西被簡化成一個小圓圈。

最終版。所有不關鍵的元素，都被捨棄。牛毛、蹄子、身體的起伏、明暗、質感、甚至連耳朵五官等細節都被捨棄。
留下的都是什麼呢？牛的強壯軀干、四肢、牛角、牛尾巴、生殖器，以及地面的投影。

可以說已經概括到了極致。

牛的僅存的身體部件，刪掉任何一個，都不再像是牛了。

身上的明暗可以刪掉，地面的投影，一旦刪掉，立體感就徹底沒有了。

（各位畫畫的可以記住這個優先級，投影實際上是比身上的陰影級別更高的東西）

相比較第一幅來講，

最後一幅具有更大的藝術價值。
為什麼？

因為它承載了藝術家非常復雜的一系列思考。

這個思考的形式、模式、特色、取捨等等過程，直觀的表現了藝術家本人的思想。

每一個藝術家，其思考都是不同的。有獨特性。因此才有藝術性。

換言之，其實很多時候，判斷一張畫是不是有藝術性，你可以這麼理解，

如果能體現出作者不同一般的思考經歷，畫得再粗略也具有藝術性。

如果不包含作者的思考、取捨，畫得再細致也只能是批量的行活兒。

用繪畫來講可能不容易說清楚。因為在不懂的人眼裡，韋拉斯凱茲畫得很細致它也是細致，一個行活兒畫得細致也是細致，傻傻分不清。
過去的大師畫得寫實細致，有藝術性，是因為他比別人觀察得入微，他表現了別人所沒有注意到的一種層面，他觀察並思考，之後用畫筆體現了出來。

比如透納，他認為光線、水面是這種感覺。

而梵高卻認為是這樣的。
體現了兩人思考、取捨、感覺的不同。所以他們具有不同的藝術性。

而沒有思考取捨過程的畫，是什麼樣呢？
拿漫畫來舉例，你畫了一本漫畫，裡面的表情、動作，大部分都是你從別的漫畫那學來的。照搬的。

比如，第一個發明這個畫風的人，肯定可以稱為有藝術性。因為那是他的提煉。但是隨後滿大街跟風的人，不管什麼場合都照搬，而缺乏自己思考、取捨的人，那就很難談什麼藝術性。

藝術來源於思考、表現，獨特。

可能你會說什麼鬼，Q版漫畫能跟藝術扯上關系，都是胡扯。
那我們來看看一個公認的大藝術家，村上隆的作品吧。